《海角七號》奇蹟過了十年，台灣電影維持現狀或是停滯不前？

2008年夏天，一部電影上映了，那時候誰也沒有注意到它，8月22日首映的第一天票房46萬，首周末210萬，和當年最賣座的華語片《色，戒》首周票房2585萬相比，甚至不及十分一。按照電影票房走向，首周表現幾乎決定了最後的票房成績，隨著上映時間愈長、放映廳數也愈少，票房自然漸漸往下掉。

然而，這部電影的票房卻出乎意料地逆勢成長，第二個周末票房開出400萬的成績，又隔了一周，在上映將滿一個月時，竟然竄升為票房冠軍，這時大家開始注意到這部電影，它的聲勢大漲，一路長紅，創下國片史上最高的周末票房，到最後這部電影總計蟬聯了八周票房冠軍，總票房高達5.3億，至今仍是台灣電影的最高票房紀錄保持者。

沒錯，那部電影正是《海角七號》——台灣電影界的傳奇。

　　

光陰似箭，轉眼間那段我們曾親身經歷的傳奇已經十年了，當年《海角七號》的光輝至今仍然閃耀，它用獨特的在地化、喜劇、音樂等元素，帶起了台灣的國片風潮，魏德聖不只還清了負債，後來也完成史詩級作品《賽德克．巴萊》，但十年來再沒有國片能再超越《海角七號》創下的超高票房紀錄，有人說這是海角魔咒、也有人說那是奇蹟。《海角七號》的成功是意外奇蹟？10年來台灣電影從它的光輝走出來了沒？

　　

回過頭來看，在《海角七號》以前，除了李安導演的《色戒》與《臥虎藏龍》外，幾乎沒有華語片在台灣的票房能破億，《海角七號》的成功帶給當時低迷已久的台灣電影一個莫大鼓舞，短期效益是兩年內，有更多資金願意投入電影中，例如豆導鈕承澤的《艋舺》就花了不少錢在電影美術上，同樣主打在地文化，講述的是萬華街頭兄弟的幫派故事，不僅票房突破兩億，還獲得多項金馬獎。然而，同年的《愛你一萬年》、《戀愛通告》也試圖結合愛情、音樂和喜劇，卻因為故事不夠在地，而沒有獲得太多迴響。

之後，國產電影的「在地性」一部比一部更強烈，也開始瞄準賀歲檔期。2011年葉天倫導演的《雞排英雄》，抓來了很多在地性的元素，即使湊合在一起慘不忍睹，還是靠著賀歲檔期的大力宣傳勉強賣出1.4億，之後豬哥亮也成為賀歲片必備元素，2013年的《大尾鱸鰻》，讓「搞笑」被特別的放大，在地文化則漸漸被忽視，也開始出現一些輿論認為國片的觀眾文化素質低落，原本那個引以為傲的在地化，成了負面的侷限。部分觀眾「拒看國片」又開始悄悄復現，而「支持國片」成為民族主義的感情用事。

這幾年的台灣電影到底好不好？好在哪裡？不好在哪裡？《海角七號》的成功，只是一個例子，證明台灣這塊小島上也能拍出一部好的作品，但不代表著所有台灣的電影都是好作品，回想起《海角七號》，你還記得當年為什麼會被他感動嗎？是因為茂伯的真情流露？因為阿嘉的重新振作？還是因為那封穿越時空的書信？或是電影裏頭的歌曲觸動了你？

　　

《海角七號》的故事背景在屏東恆春，飯店重金禮聘日本歌手想促進觀光，為了湊出一個在地樂團，於是臨時找來了原住民警察彈吉他、機車行黑手打鼓、小學五年級的女孩來彈鋼琴、賣酒的業務彈貝斯、台北打拼失敗的阿嘉當主唱，再加上80歲的郵差茂伯硬要拿月琴上台表演，這個雜牌軍一開始完全是一團亂，花了好多時間磨合才漸漸上了軌道。

　　

劇本安排了許多不同背景的人物，每個角色之間都帶著自己的故事，無論從宗教、種族、世代、語言等方方面面，他們之間有著巨大的差異，在排練的過程中每個人都想把自己的想法強加在音樂裡面、爭執、吵架、衝突不斷，到最後他們克服了一切，一起站上舞台做出最好的表演。

這正是台灣這座島嶼一直在發生能的事情不是嗎？外省人、日本人、原住民、客家人、新移民...每個人有不同的價值觀、不同的語言、文化和知識背景，但我們都生活在台灣，消彌界線跨越隔閡成為好友。我想電影真正感動觀眾的，或許不是音樂或愛情，而是這個有男有女、有老人、有小孩、有原住民、漢人和日本共同努力組成的樂團，台灣就是一個雜牌軍，一個擁有多元文化、互相包容尊重、精彩無比的雜牌軍。

正因為台灣人組成的文化多元豐富，才迸發出現各式各樣不同的電影和故事。我認為，比起創造出票房數億「多元」的電影，一個能創造出「多元」異質作品的產業環境更加重要，除了上面提到的愛情喜劇外，這幾年台灣也出現恐怖鬼片《紅衣小女孩》、熱血運動電影《KANO》、生態紀錄片《看見台灣》等，紛紛引起許多觀眾的迴響，這些電影都是島嶼開出的不同的花朵，帶有濃厚的本土氣息、吸引了各自的觀眾。國片的好，不該只剩下「愛台灣」的情感口號，好的國片也不能完全去除掉台灣的多元文化脈絡。

 

　　

單從國片的票房來看，這幾年國片市場很像開始萎縮，但我認為，會有這樣的變化，是氾濫消費「在地搞笑」幾乎到了極限，觀眾和電影是彼此互相培力的角色，單靠複製與仿擬並無法創造成功，電影得透過尋找自己作品的特色，進而培養出那群會喜愛不同作品的觀眾，而觀眾也會用市場的外部效應，回饋給電影製作人一些想法，我們不該每一年都期待著的奇蹟出現，那並非常態，對於電影的長遠發展來看也並不健康。

　　

電影產業的健全並不容易，好電影除了要有好劇本外，還要有演員、導演、攝影、製片等許多優秀人才，好的產業環境和資金連結在一起才有機會能誕生。健全的電影產業不僅要訓練專業的人才、開發不同的題材，還要培養新的觀眾。

過去，台灣電影產業因缺乏資金沒有太大的規模，多以導演或製片為主的工作室，當有新血要投入電影產業時幾乎是從零開始，大家單打獨鬥各憑本事，缺乏讓經驗與資源能傳承及分享的管道，新進的電影人常常要走前人走過的冤枉路。

這幾年我們可以看到一些電影公司漸漸做出了體制，但這只是一個開始，舉例來說《紅衣》系列、《目擊者》或電視劇《麻醉風暴》及《川流之島》等都是叫好叫座的作品，而這些都出自瀚草影視之手，還有製作過《艋舺》、《總鋪師》、《健忘村》、《翻滾吧！阿信》及《軍中樂園》的影一製作，另外還有像是華文創、中影、植劇場等等，台灣的影視產業正待成熟。

　　

《海角七號》至今已經十年了，當時進入電影的新血逐漸成熟、當時投入電影產業的資金漸漸發酵、當時開始愛看電影的觀眾仍在看著電影，市場、觀眾、產業用用了十年的時間，從那個過熱的情緒中，慢慢提煉出更多更好、更不一樣的電影，像是柏林影展泰迪熊獎的《日常對話》，導演黃惠偵以記錄母女對話帶出性別議題，金馬獎最佳影片《血觀音》導演楊雅喆拍出獨特的女性政治寓言，《報告老師！怪怪怪怪物》導演九把刀拍出了青春的黑暗面，《大佛普拉斯》導演黃信堯以旁白及黑白畫面，拍出了前所未見的黑色喜劇。

　　　

周杰倫和魏德聖導演明知道歌舞片的難度之高，仍為圓夢做出《天臺》和《52Hz我愛你》；陳玉勳的《總舖師》、馮凱的《神廚》用精細的方式留下了台灣料理的氣味；《軍中樂園》裡面，鈕承澤導演試圖透過電影補齊一段被遺忘的庶民歷史，這些電影也許沒有在票房上成功，但它們都給觀眾留下深刻的記憶，帶給社會新的觀點。這些電影都在挑戰不同類型電影的界線，因為充滿了可能性，這才是電影能吸引更多人願意一塊打拼的原因。

很多人說台灣的市場很小無法養活電影產業，但實際上在國際化的今天，市場早已沒有界線，台灣電影從來沒有停止向亞洲甚至全球學習，像是盧貝松（Luc Besson）的《露西》、馬丁史柯西斯（Martin Scorsese）的《沉默》，不只是拍攝台灣地景也聘僱本地的演員及工作人員，讓台灣的電影工作者和國際團隊交流，看看國際團隊如何完成一部電影。

　

《我的蛋男情人》、《痴情男子漢》、《盛情款待》、《接線員》等國片劇組也走出台灣，到海外取景拍攝，向國外的影視產業取經，試圖努力創造出跨越國界與文化隔閡，全球觀眾都會有共鳴的台灣電影。

《海角七號》像是一個重要的里程，替台灣電影注入了新希望，讓後來的作品更在地、更多元、更多人關注，相信未來有一天我們不再需要幫國片貼上愛台灣的標籤。讓電影回歸到電影本身，讓電影的故事能被理性討論，當過熱的民族主義色彩被卸下之後，反而能讓真正的好作品被更多人看見。台灣是世界的一部分，世界裡舞台上也必然會有台灣電影。